Google+ Followers

viernes, 17 de noviembre de 2017

circo telaraña

apartes del circo telaraña

Beca concertacion  secretaria de cultrua Pereira, grupo paloqsea, direccion y dramtugia liliana alzate 



Buratino:
Señoras y señores, señoritas, damas y caballeros … (Pausa sensual) niños y niñas. El circo que veremos hoy  es un género dramático cuya denominación significa, literalmente, "circo del medio" o "circo del círculo",  o circo cantante. Hoy verán lo nunca antes visto, por primera vez para uds este espectáculo que une lo nuevo y lo viejo de la tradición circense. Este circo es único en el mundo por la variedad de actos que se disfrutan al mismo tiempo:  Presenta coincidencias con el mimo medieval, la Commedia dell'Arte, el Karagöz, El orta oyunu , la carpa del circo criollo….. De origen impreciso, de un lugar  que no es preciso precisar ….. Pasen y vean… el  especta (pausa)… culo va comenzar .¡
Mago orta oyunis :
Su escenario es tan sencillo como un óvalo  con ruedas,  este carromato, se convertirá por arte de magia en un oscuro espacio de emociones y misterios, en una caja negra, en un cautiverio de la imaginación  mejor dicho en: un escenario. Yo  el mago orta uyunni ,  alias aracnius  (Redoble de tambor)  los invito hoy , aquí y ahora…a que aterricemos, a que volvamos de este escenario un desfile de imágenes,  situaciones,  escenas….;  todas  vistas desde otra perspectiva, (aclara)la que nos brinda el arte del circo claro…. A lo mejor nos ayuden  a entender lo que está allá afuera… Si, Allá afuera,  en la ciudad, con sus conflictos, sus problemas, sus clandestinidades.
En este sencillo vagon de circo se representa hoy  por medio de la palabra, el gesto y la música;  las esferas de la intimidad, de lo privado y  lo público,  dónde los sueños de sus integrantes,  sus pesadillas y  su esperanza….. ¿esperanza? (rie) …
Buratino:
Con ustedes Sus personajes :El rulo, el funambulista del deseo (cliente, empresario y mecenas del circo), el viento niño (un payaso músico ), la hipnotizadora,  la belicosa mercadera, Maluka ma , la muchacha del circo (cantante lunar), el bailarín más pequeño del mundo, el mago orta uyuni y Los músicos acróbatas provistos de clarinetes ,tambores ,platillos y acordeón que  desafían las alturas con el alma en equilibrio; y claro señores y señoras, damas ,caballeros y niños,YO Monsieur burattino (marioneta- presentador )(pide redoble de tambor)  extraviado en la soledad de mi destino les presento lo nunca antes visto , unico para ustedes el  especta…. culo circo telaraña.
Rulo cliente:

Todo se dispone hoy, para su gozo, para su libertad, para que hagan uso de su imaginación. Bien, aquí estamos….Listos a lanzar nuestra imaginación y la de ustedes, querido público…. A esta aventura del pasado… Si, del pasado… del futuro… y de este presente…Que simple y que compleja trilogía, no les parece?.  

lunes, 23 de octubre de 2017

PASOS: EL RETORNO A SI MISMA DE DIANA TADA

Aparte del escrito para el Lanzamiento libro PASOS en Bucaramanga el 29 de noviembre del 2017 resultado del estimulo en dramaturgia otorgado  Diana Tada, departamento de Santander

PASOS: EL RETORNO  A SI MISMA DE DIANA TADA


            ¿Y las mujeres? – se pregunta a sí misma
            Hay, que no lloren: porque el hombre se va para el mar.
            y que los niños sigan sus juegos, que para el mar es que se van (Magdalena, PP   )

Diana Tada  llega al teatro después de estudiar diez semestres de derecho en Bucaramanga pues, encuentra en la escena algo más riesgoso y fructífero para su vida, en ese andar se encuentra con la maestra como Beatriz Camargo  y en sus escuelas de Biodrama entre el 2004 al 2007  elabora  máscaras y comienza su contacto con el origen.  Empieza entonces  a marcar su forma de contar historias. Luego viaja a República Dominicana  y allá gana una beca de Iberoescena con un grupo femenino: La 37 por las tablas, continuando su profesionalización ahora con el clown y la dramaturgia.

Paralelamente  a este proceso ella va construyendo la obra Magdalena y poniendo en escena toda esa formación unos años después  viaja a Lima- Perú  para ser apoyada por el  maestro Willie Pinto, alumno de Eugenio Barba[1] con quien termina y estrena su unipersonal. Regresa a Colombia  llena de experiencias y desarrolla un proyecto en Zapatoca en el 2013: Talleres, laboratorios, encuentros y al sentir de otro modo su territorio  va encontrando la necesidad de desarrollar su siguiente trabajo Joven pasos. Regresa a la capital  santandereana y  se topa con una anécdota de una amiga sobre el sueño americano y crea la tercera pieza que hoy compone este libro: Cuando se apaga la luz;   Texto en el cual lo femenino es observado bajo el prisma de la Virgen de los milagros.  Así  es como la Tada se va volviendo una mujer de teatro, que escribe, forma, actúa y dirige sus espectáculos.

Este reconocimiento que le hace el concurso de dramaturgia de la Gobernación de Santander a Diana Tada  por su escritura, no es sólo para ella como persona de las tablas  si no, para todas las mujeres de teatro jóvenes de nuestro país.  Es entonces un motivo  poderoso para hacer una re- visión de su palabra escrita y es lo que hace, para mí,  inevitable unirme a este empeño y al valor de su hacer creativo.  Convirtiendo las obras escogidas en este libro lo pasos certeros de la palabra femenina de la creación artística de Diana Tada.

Inicialmente quisiera que recordemos que  históricamente en la cultura de América Latina escribir teatro con una pluma de mujer y ser publicada no es una tarea fácil, ni muy visibilizada en nuestro país;  ya que la toma de conciencia con respecto al proceso creador femenino  en la academia ha sido  ralentizado, afectando de una u otra manera a la mayor parte de las creadoras teatrales de las periferias colombianas. Sin embargo, hoy en día, aún los académicos y hacedores teatrales más conservadores se ven obligados a ver esta verdad indiscutible: las mujeres deben estar presentes como objetos y sujetos del pensamiento. Es innegable que la escena teatral está constituida por obras escritas, actuadas y dirigidas por mujeres y  que son ellas  las poseedoras de una palabra elevada de una grandeza intrínseca a todas luces evidente;  este libro es muestra de ello.

El libro PASOS aquí presentado no es un corpus homogéneo, sino un conjunto de piezas que abordan las discusiones sobre el deber ser de la mujer desde perspectivas  sociales, políticas y religiosas,  con relación a las ideologías tradicionales. El libro incluye tres piezas dramáticas y como lo refiere su autora: cada una de las obras es un camino recorrido que nos habla de tres fases humanas en una sociedad latinoamericana, sus personajes femeninos tiene la  intensión de reconocer un rol, diferente al del hombre, un espejo de vida para otras mujeres o para hombres que conviven con mujeres; así las historias se impregnan de realidades sociales, como también personales y antropológicas. Historias contadas una vez se ha ido y se ha regresado.

¿Cómo leer entonces este corpus dramático? No existen paradigmas de lectura, por el momento iniciare con un rastreo de la esencia de la palabra que evoca lo no dicho. El valor dramatúrgico de las tres piezas constituye una relación con las estructuras hegemónicas de la sociedad,  enmarcada en  los personajes de cada pieza. Ya que contienen una mirada particular en busca de un retorno al origen y hacia sí mismas desde lo mítico con Joven pasos, la violencia del desplazamiento en Magdalena hasta el realismo del símbolo con cuando se apaga la luz. En general las obras nos preguntan: ¿cómo se pueden definir una identidad de nuestra cultura en una etapa mítica? ; ¿Cómo representar nuestro territorio entre el campo y la ciudad? y ¿En qué consiste -o en qué debe consistir-nuestro proyecto de vida en un país  que  no aporta  posibilidades laborales?... 


TINTA: ¿acaso estamos en los tiempos de los Hombres de Metal? ¿Qué es el tiempo? ¿Dónde está el espacio?, ¿Qué medida tienen los acontecimientos y las vivencias?, ¿Alguien puede calcular la densidad de los sentires? pp xx  

Una operación transcultural
La pertinencia general de este proyecto teatral radica en el intercambio de la indagación de las  herramientas creativas, su medio, su fin, su huella, su vida, la forma como se procesa la información en cada una de las experiencias de los personajes. La pieza  muestra  el sujeto-cuerpo femenino en una parte de la historia de este país. El cómo se re-significa la historia, como se crea, se re-crea y se expresa en el cuerpo femenino.  

Esa fue la última vez que escuche la voz de mi madre, pero no me importaba nada porque – Salta a sus labios la canción de arrullo que por herencia adoptó para su hija:  mama ye e cutí cumbe, e cutí cumbe mama – acaricia a su hija – ahí tenía en mis brazos a mi hija Lila.
                
Coda final
“La ‘Memoria’ nos trae a la conciencia las diversas tradiciones culturales, occidentales u otras, estrictamente teatrales o no, las  cuales se prestan como elementos renovadores, como materiales a disposición; la ‘Elaboración’ es el momento de la selección y ordenación de estos materiales, y, finalmente, la ‘Perlaboración’ es la inclusión de estos materiales, no por oposición, ni por superación/ rechazo, sino por medio de la ‘reunificación’ o ‘reintegración’ para lógica, acentuando la ‘diferencia’, el/lo ‘otro’. A. Toro  [4] 

Es evidente que en este  libro PASOS se plantea esta: memoria, la elaboración y la perlaboración de la que habla Toro en la cita anterior. Las protagonistas  de las tres piezas escogen un lugar de frontera, de margen.  Convirtiendo la palabra en un tipo de Hibridez de mestizaje desde un cuerpo femenino.  La cual  conforma una  estrategia  dramática o tal vez un proceso  creativo que tiene lugar en los puntos-cruces, en las orillas de una cultura, donde ‘orilla’ o ‘frontera’ no siempre implica exclusión’/‘discriminación’, sino una  articulación de nuevas formaciones culturales, de nuevos cuerpos de lectura,  aseverando con esto que PASOS  es una demostración de estos umbrales.  
Por ultimo   quisiera  dejar la  reflexión de la autora  sobre la palabra en retorno a nosotras mismas pues es solo bajo estos ‘puntos-cruces’/‘orillas’/‘fronteras’,  en donde se re-territorializa  los sentidos femenino y masculino;  es el lugar creativo en donde se pueden realizan recodificaciones y reinvenciones:
(…)Gracias! – mira el cielo – ¡O pero si está anocheciendo de nuevo! Debo irme, seguir mi camino, recoger mis pasos para encontrar las historias, leer la tierra para escribirla en palabras. Y permitir que las palabras tengan su propio viaje por medio de mi voz, así El Saber será una fuente inagotable y el inicio de TODAS LAS HISTORIAS. (Tinta en joven pasos pp:16)
LILIANA ALZATE CUERVO, Barichara – Santander 14 de octubre 2017


[1] Eugenio Barba, quien fue discípulo de Jerzy Grotovsky y trabajó junto a él en el Teatro Laboratorio en Polonia, es el fundador de la ISTA International School of Theatre Anthropology), . Concebida como una Universidad Itinerante cuyo principal objetivo es el estudio de la Antropología Teatral, está formada por una red multicultural de artistas y estudiosos de Oriente y Occidente
[2] INVESTIGACIÓN TRANSDISCIPLINARIA, TRANSCULTURAL Y TRANSTEXTUAL EN LAS CIENCIAS DEL TEATRO EN EL CONTEXTO DE UNA TEORÍA POSTMODERNA Y POSTCOLONIAL DE LA ‘HIBRIDEZ’ E ‘INTER-MEDIALIDAD’ Alfonso de Toro
[3] Nubia Mendoza es una mujer quién ha cumplido socialmente con una vida llena de orden, ha vivido de forma orgánica y ha realizado todas sus responsabilidades, académicas, familiares y ciudadanas. Es la mujer ejemplar para una sociedad Bumanguesa. Pero la realidad le quita su estabilidad, al salir al mundo laboral se ve obligada a tomar decisiones que la lanzaran por las vertientes sorpresivas de la vida. pp xxx
[4] ibid alfonos del toro

ESPECIALMENTE INVITADOS
LANZAMIENTO DEL LIBRO: "Pasos": 
Historias contadas una vez se ha ido y se ha regresado.
DÍA: Miércoles 29 de Noviembre.
LUGAR: Auditorio Menor "Alfonso Gómez Gómez", UNAB. ..

festival de mujeres por la paz





Por Jenny Giraldo García

Liliana Alzate Cuervo estuvo en el Festival Mujeres en Escena por la Paz presentando su obra Con secuencias y  su libro ¿Cuál es su problema fundamental? Diálogos con Santiago García. Actriz, dramaturga, crítica teatral, docente, autora del libro Teatro femenino: una dramaturgia fronteriza y fundadora de La Luna Dá, un proyecto artístico en Barichara (Santander).

Cuando Liliana Alzate Cuervo viajaba en bus desde Barichara hacia Bogotá para asistir al Festival de Mujeres en Escena por la Paz recordó esas primeras veces, un festival muy pequeño, con solo dos salas abiertas, un festival que se preguntaba si los hombres debían participar. Hoy, este espacio convoca incluso a artistas internacionales y acoge propuestas que, dirigidas por personas de cualquier género, ponen a las mujeres en el centro de la reflexión y la creación. Ahora que Liliana acaba de presentar su obra Con secuencias, ve muy claro que este festival tiene sentido, que la magnitud que ha tomado demuestra que las mujeres sí están activas en la escena teatral y que hay mucho por decir y mostrar.
Con secuencias es el resultado de muchas búsquedas y confrontaciones personales. Es una obra que reúne a los personajes femeninos que por múltiples razones Liliana no ha podido llevar a escena, que tiene en cuenta el carácter cíclico de las mujeres, representado en las fases de la luna, y que aborda los diferentes momentos por los que pasa una mujer a largo de su vida, arquetipos que fue reconociendo con experiencia e investigación: la virgen, la bruja, la madre y la sabia. Esto, atravesado por un hilo conductor o, quizás, un cordón umbilical: la presencia de su hija, María Antonia, haciendo el papel de Caperucita loba.
Hace cuatro años, cuando Liliana llegó a vivir a Barichara, tenía la idea de no volver a hacer teatro, pero un día, cuenta ella,  la luna la iluminó. “Fue una luz impresionante”. Esa noche, comprendió que el teatro no necesitaba grandes recursos técnicos, que la luna era suficiente y que no podía abandonar ese arte con el que ya había vivido más de 20 años. Así que empezó a trabajar. En su proceso de investigación se encontró con las mujeres del territorio, logró un trabajo –que continúa– de recuperación de la memoria; se encontró con la cultura ancestral de los guanes, población indígena que habitó parte del territorio santandereano y con sus tejidos. Todo esto ha nutrido su propuesta artística.
Vivir en este municipio santandereano, al margen del vértigo citadino, le permitió mirarse hacia adentro, recorrer su historia como creadora, como mujer, actriz y madre. Tomó los conocimientos recogidos en un trabajo que había desarrollado con la maestra Beatriz Camargo y así comenzó a darle forma a esta propuesta. “Me dan ‘jartera’ los monólogos, pero como creadora, necesitaba un proceso para enfrentarme conmigo misma, con esos tintes empecé a trabajar la obra”. Así, Liliana volvió a La maestra, de Enrique Buenaventura; a Lilith, a Sor Juana Inés de la Cruz, a quien ella le había escrito una carta; y a Soy una mala mujer, un poema de Nitage Shange, que había ya trabajado en una obra llamada Mujeres feas. Con todos estos elementos, Liliana hizo su obra  “Y es Con secuencias porque se trata de eso: las secuencias de la vida y sus consecuencias”.

Todas estas mujeres con sus arquetipos y sus lunas están atravesadas por un ser que Liliana descubrió en sus indagaciones: Caperucita loba. Esta Caperucita existió gracias a María de las Estrellas, una poeta nadaísta que murió a las 14 años y que, quizás por 1977, cuando apenas tenía 10, escribió un pequeño cuento en el que una niña se comía a un lobo, controvirtiendo la historia que conocemos desde Perrault hasta nuestros días. La hija de Liliana, que no quiere ser actriz, ha crecido con este personaje. Ella, desde su lugar de madre, sabe que pronto, por los intereses y por la edad, ya no tendrá a su Caperucita loba y que habrá que pensar alternativas para la escena. Una decisión difícil cuando la razón por la que está ahí es, precisamente, porque es una de las consecuencias importantes de su vida.
Liliana Alzate Cuervo, a partir de un viaje que pretendía que fuera un retiro, ha encontrado en la magia del teatro una posibilidad para sanar, para asumir de otras formas su feminidad y su maternidad, para verse a sí misma, a su hija y a las otras mujeres. Este teatro no se hace sólo para el público, para ser visto. Es un teatro que existe también por la necesidad profunda de una mujer de entender, cuestionar y reivindicar su lugar en el mundo y en las artes.

Para conocer más el proyecto de Liliana pueden visitar:

Blog de Liliana Alzate Cuervo

Reseña sobre Teatro femenino: una dramaturgia fronteriza

Página de La Luna-Dá en Facebook






gacetilla  sobre Libros: 



Libro ¿Cuál es su problema fundamental? diálogos con Santiago García 
Esta investigación fue iniciada como parte de una investigación titulada: “Enrique y Santiago fuera de camerinos” como producto de una beca de creación en periodismo cultural otorgada por Colcultura en 1995. El trabajo completo fue entregado en 1997 después de un año de investigación y de charlas con los maestros. Así mismo se produjo un video documental que fue emitido en el canal nacional: La cena: encuentro de  dos vidas. Sigue  un tanto inédito en el medio teatral. Durante diez años la autora continuo su seguimiento a las producciones de Santiago García, y su actualización se finalizado en el 2016, año del Cincuentenario del grupo La Candelaria.
Considerando su vital legado artístico y la dimensión de la búsqueda estética conjunta con el grupo, queremos compartir con los lectores este testimonio de voces, que no pretenden definir a Santiago, pero en cambio sí ubicar el valor de sus miradas; mi resultado es este libro de gratitud y homenaje, a nivel teatral y humano,  a la vida de este gran maestro latinoamericano; reconocido  creador escénico del teatro en Colombia,  Europa y el mundo.
En este texto, Liliana Alzate Cuervo, reúne con una perspectiva crítica, el conjunto de  conversaciones que sostuvo  con uno de los más importantes maestros de la historia del teatro colombiano moderno. Como en un atrapa sueños  la escritura hilvana  las charlas  que Alzate sostuvo con García,  en diversos encuentros desde el año 1997 hasta el año 2000;    conservatorios  donde  él fue dibujando con su propia voz,  una trayectoria  artística   iniciada en los años 50,   que se remonta hasta la primera década el siglo XXI;  una historia  de creaciones escénicas, entretejida con archivos de testimonios de sus amigos artistas, de críticos, de colegas, que desde  diversas visiones, memorias, controversias  y miradas, contribuyeron  a ubicar  las utopías, las coordenadas y las  fuentes profundas de su legado artístico.
Comparto apartes de la introducción apartes de la introducción LA VISIÓN POLIFACÉTICA DE SANTIAGO GARCÍA EN UN LARGO DIÁLOGO CON LILIANA ALZATE del maestro Carlos Jose Reyes.
El fructífero conversatorio para el libro aquí presnetado.  de Liliana Alzate con Santiago explora distintos aspectos de su personalidad, su humor cáustico y su capacidad de investigación y creación en el quehacer tea-tral…..todos sus montajes están descritos en la investigación de Liliana por medio de la propia voz de Santiago García o por su directa visión de las obras y dan cuenta de la amplia versatilidad del director del teatro La Candelaria.  En el trabajo de Liliana Alzate, en sus diversos capítulos y etapas, se observa una novedosa aproximación a la vida y obra de Santiago García. …CJR
Liliana llega al punto de mostrar otra faceta y única de Santiago García: su acercamiento a la ciencia contemporánea, la astronomía, los estudios de Mijaíl Bajtín sobre Rabelais o Dostoievski, el carnaval o el cronotopo (tiempo y espacio), enunciado por Einstein y estudiado por el investigador ruso en su relación con la literatura, la teoría del caos o el principio de la incertidumbre, estudios de física cuán¬tica o geometría fractal, semiología y otras ciencias que Santiago García ha usado en forma realmente experimental para el teatro, y digo realmente experimental, pues muchos grupos abusan del término para definir un trabajo de aficionados hecho sin el rigor y la novedad creativa que ha demostrado García a lo largo de su proceso como inventor de un nuevo teatro en Colombia. Liliana complementa su trabajo con la relación de Santiago con el cine o la música, artes que cultivó de una u otra manera a lo largo de su vida teatral. CJR
 “…..un diálogo de años con Santiago García, descrito con minuciosidad, por la investigadora y crítica teatral Liliana Alza¬te Cuervo, que en este libro, cuyo título parte de una frase característica del maestro García: ¿Cuál es su problema fundamental? aborda la pluralidad de facetas que fue descubriendo en la vida y obra de Santiago García que ella siguió con la asiduidad y constancia de una investigadora con espíritu científico, tratando de hacer el perfil más completo posible de un creador al que había visto en las duras y las maduras, en sus momentos de efervescencia creadora, así como en sus encrucijadas de duda y reflexión, en la búsqueda constante de nuevas formas expresivas…. El libro de Liliana Alzate avanza en las distintas etapas del trabajo del maestro García, hasta concebir su propia forma de encarar la creación colectiva al lograr la consolidación de un grupo estable, dedicado de lleno a la investigación y la creación escénica, con sólidos requerimientos éticos para encarar a través del teatro una expresión perturbadora y crítica de la realidad nacional” Carlos Jose Reyes. 





Segunda edicion : Teatro Femenino : Una dramaturgia fronteriza  Editorial Univalle

La presente charla una muestra una investigación que estudia la significación del hecho escénico femenino del siglo XX, con el propósito de introducir categorías y formas novedosas de analizar, ver y sentir las escrituras del teatro de mujeres en Colombia. El drama escrito por mujeres profesionales del teatro muestra diversos hilos dramáticos: desde lo históricos hasta los ancestrales. Develando la imagen de la mujer al margen, denegada por el hombre, como imagen de una mujer omitida, como reflejo de la deshumanización de la sociedad; en contraste con la mujer de conocimiento, guardiana de la ley de origen, sacerdotisa, médica, educadora, creadora, que es la imagen de la mujer sabia ancestral, no reconocida como ejemplo, porque es una mujer casi borrada, mujer colombiana escamoteada, o por fuera de la historia.
Un cambio de punto de vista, la mirada de un observador desde dentro de la frontera, obliga al lector a enfrentar enormes prejuicios replicados por siglos, ideas sobre la condición de inferioridad social, sexual, laboral, y política de la mujer;  creencias que se presentan como fuertes obstáculos de interpretación de su rol social, paradigmas de patriarcalismo, que aún dominan el imaginario simbólico y cultural y en algunos casos el escenario académico y científico de las sociedades actuales latinoamericanas.
Esta otra lectura dramática, la femenina, contempla la imbricación de texto –representación-publico, específicamente bajo la lectura del cuerpo. En ese aspecto se detiene a observar el lugar y la presencia tanto del cuerpo-voz de los personajes femeninos, como el sentido de la construcción de las masculinidades en las obras de las creadoras escogidas.

Esta  presentación de la segunda edición se realiza con el fin de dar una mayor relevancia y difusión a los contenidos de la propuesta de la investigadora Liliana Alzate Cuervo ; tanto las obras escogidas como su análisis,  suscitan en el mundo académico profundos interrogantes frente a los conceptos de Performance cultural y Dramaturgias vivas,  esclareciendo desde sus enfoques, que el rol femenino a jugar en la construcción del conocimiento,  no es solo reflexión de mujeres,  sino reflexión crítica sobre toda la cultura.





domingo, 22 de octubre de 2017



Apuntes  sobre la evaluación  del concurso  “teatro en estudio” de IDARTES 2017
Por Liliana Alzate Cuervo

La siguiente  reflexión se trata  sobre el concurso de dramaturgia en estudio  de IDARTES  2017,  donde hice parte como jurado en el mes de agosto, pues quisiera dejar plasmado aquí en mi blog y a quien interese las reflexiones  fuera de la planillas institucionales  pues  considero que el trabajo es de suma importancia para la ciudad  y cuenta con muy poca reflexión como certamen.  También porque como siempre ocurre no  llegan los análisis serios a los directos  interesados  que son sus autores y todo es medido cualitativamente  sin poco tiempo de reflexión colectivo, por parte de de la triada de jurados y los encargados de las instituciones,  que a mi parecer  merecerían  mayor rigor en este tipo de certámenes.

Quiero  subrayar que me quede con serias  inconformidades con la manera de evaluar y decidir  estos certámenes. En vista de la poca escucha y bajo nivel de análisis en la evaluación final  quiero con  este escrito socializar mi  evaluación  y así aclarar mis inconformidades.  Esta es la razón por cual  decido publicar en este blog, mis criterios y así no sentir que mi arduo y dispendiosos trabajo fue en vano y que no llega a los que también con mucha dedicación decidieron enviar sus obras al concurso.
Considero que no pueden seguir primando en este tipo de  concursos públicos  el oficio burocrático donde  lo que importa es la  cantidad más que de calidad, ya que el verdadero significado de la escritura dramática esta ligado a develar  un momento histórico  ya que el arte es un espejo de cómo se asume la realidad de un país  y sus políticas culturales deben ser acordes a lo que esta ocurriendo. o al menos un poco comprometidas con una minima cualificacion artistica

                                                     Criterios evaluativos más allá de la planilla


Iniciare con unos conceptos básicos del Texto dramático para aclarar algunos  criterios evaluativos  e intentar  la coherencia en los objetivos  de la beca de dramaturgia  específicamente ante las propuestas  dramáticas de este año para la ciudad de Bogotá que tuve la fortuna de leer detenidamente.
El siglo XX se inició con la revolución copernicana de la centralidad del actor. La palabra teatro se transforma en teatro de acción física, el gesto, la emoción del actor interpretativo, que también ya se reconoce como un texto representacional, así como  la dirección moderna hace que el primer paso en la reforma del teatro rechace la idea 'fotográfica' de la escena, y afirma la preeminencia del  arte. Ya en este siglo XXI  se asume  que el esquema dramático compone un texto de cierta teatralidad que puede ser literaria, narrativo, plástico, gestual, en movimiento, entre mil más formas de escritura del cuerpo en la escena.
Ahora bien, la característica común que todavía se encuentra en la contemporaneidad  de la cultura teatral es la superación de la simple representación de la realidad, ya que con la llegada del cine, la televisión y ahora las red y el internet, se evidencia una clara separación entre lo que es todos los días e inmediatamente perceptible y la 'verdad teatral'. Esta veracidad es posible gracias a las herramientas expresivas del teatro actual.  Tales sugerencias se encuentran en el texto dramático no solo en  la narración,  en la acotación,  en los diálogos de los personajes y por supuesto será el juego imaginativo que el actor establece con el público en la futura representación.

Por otra parte, sabemos que  el texto dramático literal  existe un texto secundario. Este podemos definirlo como el conjunto de anotaciones, explicaciones e indicaciones que tienen que ver con lo que es la representación dramática. De esta manera, nos encontramos con el hecho de que a través de aquel se dejan patente cuestiones tales como los sonidos, los movimientos, el vestuario de los personajes, el ambiente en el que debe desarrollarse en la escena. También hay que referir que en los textos contemporáneos o actuales, existe un tercer texto que se realiza con varios tipos de textualidades (documento histórico, literatura, oralidad, noticias, crónica, música, coreografía, sicomagia, entre otros) componiendo un texto mestizo que algunos han llamado narraturgia, postdramático, entre otras categorías.
En este contexto, los autores-actores han dado a luz recientemente al género teatral unido a la realidad cotidiana, y que algunos especialista  llaman teatro narrativo , o narraturgia. Todas estas categorizaciones  actuales están más cerca de un modelo de la narración de la Edad Media que el concepto de teatro realista del siglo XIX,  por lo tanto  está más cerca a la oralidad que recupera una memoria  del ritual de la palabra dentro de una comunidad. Para nosotros más cerca a nuestros orígenes y nuestra teatralidad híbrida de país mestizo.                                      

Conceptos generales Sobres las 81  obras presentadas :
El tema de la violencia permea inevitablemente la gran mayoría de los universos  planteados en los escritos, con diferentes estilos  y texturas textuales se evidencia  directamente una denuncia.   En algunas  propuestas de manera simbólica, ficcionada, fantaseada, metaforizada. Pero siempre a favor de los menos desfavorecidos: obreros, campesinos,  gentes de la calle, madres cabeza de familia, mujeres  vulneradas, niños, prostitutas, travestis, soldados raso de ambos bandos.  En general  de muestra una mala imagen de las instituciones  o instancias de poder (religión, militares, políticos). Pocas equilibran las voces de victimario y víctima. 
Personajes ficcionados: dioses y diosas griegas,  fuerzas energéticas  de mitologías americanas, animales humanizados,  infrahumanos, marionetas,  extraterrestres,   personajes alegóricos: dios, demonio, conciencia, muerte, angustia.  Muertos vivientes.
Asuntos: falsos positivos, desplazamiento forzado, tráfico de órganos, exilio, limpieza social, injusticia social, abandono vejez o niñez. Prostitución, corrupción. Violencia intrafamiliar, abuso de menores, religión, homosexualismo
Espacios:   limbo, no lugar, la nada, post catástrofe, imaginarios poco esperanzadores, teatro de los muertos
Citas y referentes literarios: mitología griega, oralidad  wayuu, piquería vallenato,  la biblia  apartes del apocalipsis,
Spinoza, Freud, arrabal, Calvino, Dostoievski,   Virgilio Ariel Rivero,  Kafka, entre otros
Espacios interiores: casas antiguas, habitaciones, oficinas, ascensores, burdeles,  bares, anfiteatros,  apto de ciudades,
 Solo dos propuestas para  teatro  de espacios abiertos  para teatro de calle y   dos con uso de muñecos y actores.
Nuevas subjetividades aparecen en escena: cultura wayuu, LGTBI, mujer -diosas, victimarios.
Referentes latinoamericanos de este tipo de teatro en argentina por ejemplo  pos dictaduras aparecen: teatro de los muertos, teatro evasionista, atrocidades  generadas por la  descolonización.
Hay un tono generalizador de la textualidad y es un tono de libertad carente de cadencia dramática, uso de la brutalidad, del lenguaje obsceno, y  religioso.
Tendencias Dramatúrgicas  de las 81  propuestas de textos teatrales
Las estructuras de las propuestas en su mayoría son clásicas. Muchos interiores, salas, oficinas, espacios convencionales. Hay una generalizada  confusión entre acto, escena, cuadro, acto único, monologo vs cuento. Algunas entre guion, sketch, dialogo, documento real y ficcionados,  literatura dramática con texto dramático, entre otros. Si bien todos estos lenguajes se usan hoy en la dramaturgia contemporánea, ellos son hibridados, tejidos buscando  un sentido significativo, trasformador  de imaginarios que requiere de un conocimiento previo y un nivel de riesgo dramatúrgico. Pero no es el caso de la mayoría de las propuestas.
En general me sorprendió la coincidencia de los escenarios de la post catástrofe.  Los Escenarios de post catástrofe, son en la filosofía teatral una búsqueda escénica del desastre, del antes y después. ¿Cómo se captura en el espacio escénico la sensación de las fuerzas del desastre, de las potencias que ya se han ido y han dejado su secuela?”. A partir de este cuestionamiento he revisado las poéticas implícitas en cada una de las  81  propuestas formando una evaluación diferencial de las piezas.  y  podría arriesgarme a decir  que en este año 2017  la escritura dramática en la ciudad capital busca una integración de referentes:  filosóficos, antropológicos estéticos, dramáticos, literarios, orales, tecnológicos, científicos y hasta astrológicos  además de los  lenguajes de las artes escénicas  rodeando siempre  la idea de post catástrofe, de duelo de algo irremplazable, de fin de la guerra , de la zozobra de los que vendrá.
Muchas de las propuestas  llevan a escena  directamente la cruda realidad del país,  hasta con nombres propios en algunos casos, aludiendo  a la época del teatro de denuncia o al teatro documento. Como si los autores estuvieran  preocupados por una rescritura de la guerra, sin transformación poética en  el uso de la acotación.    También recordé el teatro de los muertos usado en la argentina en época de post dictadura. El dispositivo poético de la memoria advertido en el teatro de los muertos se trata de las experiencias y representaciones del pasado; en general, la inabarcable masa de teatro de quienes nos precedieron, el teatro que hicieron los ya muertos, de alguna manera misteriosa, regresa cada vez que se produce un acontecimiento teatral. La memoria del país en  el teatro de los muertos se hace presente en cada nuevo acontecimiento.

La estructura de la mitología griega  como metáfora de la guerra del país o del mundo actual es abordada varias veces. Unas con más experticia que otras. así como otros temas relevantes que aunque no son novedosos en la dramaturgia contemporánea  en  nuestra historia dramática  no se han develado mucho son; la perspectiva de género y los derechos de la mujer y los LGTBI, la estética queer, lo fantástico, el género negro, uso de nuevas tecnologías y los animales humanizados.
Según mi punto de vista respecto a la evaluación de un texto dramático las planillas de evaluación  no son amigables, ni completas. Por ejemplo los porcentajes entre el primero y el segundo punto no comparto que tengan el mismo 40% ¿porque serian iguales? y el último punto me queda confuso ¿cuál es el criterio de lo novedoso en el arte?  (Nuevas tecnologías, actualidad del tema,  uso del lenguaje, estructuras poéticas, o podríamos pensar  que no existe nada novedoso en el arte actual.)
Podrían existir algún tipo de categorías y otorgar más premios en talleres o clínicas dramatúrgicas a los autores ya que algunas propuestas  requieren de alguna ayuda  guía para que  continúe los procesos de escritura o investigación de temas interesantes y relevantes de ser abordados.
Por la cantidad tan abrumante de propuestas, me parece que se requiere más tiempo para la evaluación. Y más dedicación en cada una de las propuestas.  Recordemos que es un texto artístico, la lectura en pantalla, personalmente me parece incompleta. Para  establecer un criterio justo se necesita poder  volver al texto.

Para el futuro de las convocatorias les sugiero que si van a recibir ese volumen de obras  para un solo premio, consulten la posibilidad de que exista una categorización  y se otorguen otros premios en especies  como  las clínicas dramatúrgicas para  no descartar sin comentario
En síntesis los puntos generales de las propuestas:

1. La presencia obsesiva de la guerra, la muerte, tratada como  ritual y / o directamente con documento histórico, uso del hechos noticioso recientes.

2. La inserción de historias atroces y disparatadas, en las que los protagonistas aparecen generalmente como víctimas y los antagonistas como victimarios. La idea de salvación externa, oráculo, destino caótico que  deja  la humanidad a la deriva de la catástrofe.  Varios personajes de niñas en etapa adolecente salvadoras de ese espacio que queda después de la guerra.

3. El gusto por lo  clásico, lo cruel, lo obsceno, la muerte  como consecuencia de la guerra amarillista en algunos casos.  Desbordados  en texto  y palabra obscena  contra la mujer y el  Hombre como ser humano

4. evidente pasión por la renovación de las formas expresivas (proyecciones,  personajes  que se doblan, espacios ficcionados, fantásticos. Temas cotidianos, relaciones amorosas,  familiares,  contextos humildes,  critica a las instituciones (militares, religión, educación, poder))

Mis 15 elegidas  con  alta calificación  

#55 Augurios de cuervos 

Tragedia en cinco actos, de solidez dramática, y coherencia argumental. Historia de la guerra desde el mestizaje. Indio y gitanos
Línea de personajes clara y acción dramática  contundente que desenreda la trama paso a paso. Imágenes de múltiple  significado cruzan la escena cerrando cada contenido. Referentes literarios aparecen  claramente transformando en  un nuevo texto  que amplía los universos dramáticos.
El trabajo de estructura clásica griega sobrepuesto en realidades colombianas: coro, gitano viejo, acordeonero, Mujeres parteras, que leen los sueños, el aparecido, nos van develando la historia del país  y su violencia envueltas en un vaticinio clásico.  Rezo final como una voz de esperanza.
Existe un protagonismo de la Voz de los vencidos.  La voz de los muertos en el coro de  dolientes  va marcando referentes literarios en el tratamiento de los personajes como del realismo mágico. Coronel, mujer que come tierra, el gitano, la que lee los sueños. La peste del olvido, un país en luto, mujer que teje mortaja. un manejo rico en su textualidad poética entre cantos y diálogos.
#97 dedos de bronce calificación
Es un texto muy completo con un buen tejido dramático y solidez en el universo planteado. Le plantea al lector/espectador  retos  en las imágenes  de espacios y movimientos en las  acotaciones y un discurso de múltiple significación. Alude a muchos temas actuales con una historia de ficción entre dos ciudades.
Estructura  fantástica en su argumento, personajes sólidos en sus líneas de pensamiento. Acción dramática  en progreso relevante para la trama.  Un lenguaje  elaborado en estilo narratológico en algunos personajes. Tiene un giro al final sorpresivo
La forma de narrar la  fábula es innovadora. El argumento fantástico y los personajes  ficcionales, con animales.  El tratamiento de La violencia en ficción dramática  teje  contundente el discurso poético.

# 98 fragmentos de un general enamorado 
Una propuesta sólida en contenido, discurso, trama y argumento. Explicación inicial del universo planteado con fragmento de recuerdos es coherente durante todo el texto. Mostrando temas  importantes  del país: corrupción, verdad, veracidad, fidelidad, homosexualismo en unas elites de poder.
 La estructura es fragmentada, juegos con el actor/espectador de información registrada sobre la trama. Acotaciones y textos  de los personajes completan la acción dramática hábilmente. El texto cae hasta que se desnuda la trama.
 Arriesgada forma de narrar, búsqueda de tipos de lenguaje que usa y acotaciones que completan el universo final. Recuerdos fragmentados de la historia del país, información condensada.  La yuxtaposición de textos en diferentes  tempos en el fragmento final donde se devela  el conflicto es innovador y contemporáneo en el uso de diferentes textualidades.

# 63 pájaro de fuego
 Una obra fantástica para actores y marionetas de buena elaboración dramática y coherencia interna. Referentes de la oralidad americana con el ultimo sol sutilmente hilado en la historia así como de elementos de la narración fantástica.
Hábil uso del futurismo en las situaciones dramáticas y la construcción de los personajes y sus lenguaje. Imágenes poéticas de los espacios propuestos  en el fin de la alineación de un cometa. Valor de los símbolos del ecosistema aludiendo a un discurso ecológico.
Innovador en el uso del público como elemento fantástico para resolver el conflicto final y la estructura dramática general en el estilo de cuento fantástico mezclado con la cosmovisión americana

 # 38 juepajey!!!
La obra es completa y coherente en si misma, recupera la oralidad  como  origen de nuestra dramaturgia original,  hila  con canciones,  décimas y oralidad autóctona  el tema  del mestizaje, dándole el  valor innegable a la cultura indígena Wayuu y a la historia del Vallenato . Nos pasea por todos los grandes Leyendas vallenatas en el mundo de los sueños  en el mas allá. Realismo mágico  en su solidez y coherencia interna
La calidad el texto  es altísima al rescatar  las canciones de oralidad, danzas y leyendas dentro de una propuesta dramaturgia. Al recuperar la importancia del sueño y el eterno retorno en su trama  recupera  toda la cosmovisión de la guajira y de un imaginario colombiano.  Sus personajes son parte la construcción de nación popular   hilando con el presente de la zona de la Guajira y las injusticias de los desplazamientos de sus territorios sagrados. Sin caer en  discursos didácticos, ni de denuncia,  la tensión y el argumento dramático marcan un equilibrio  dramático lleno de sorpresas.
La innovación está en el valor descolonizado del pensamiento dramático. Dándole valor a la oralidad como base textual de un drama latinoamericano.  La urgencia de este tema  para mostrar no solo parte de la validez textual, musical, sonora e imaginaria de  estas historias que no son solo folclor sino el imaginario colectivo de la nación. La memoria que nos puede hacer pasar al más allá del conflicto.

Otras recomendadas 
#32 Frank y linda     
La obra propone un juego entre los tres personajes de gran solidez dramática y coherencia argumental interna, la interpolación de épocas se va hilando  sutilmente en el universo sin perder verosimilitud. Las reflexiones sobre el amor, la pareja, la estética, la filosofía, la religión, la vida y la muerte son bien  hilvanadas escena por escena, elaborando un complejo tejido que mantiene la  expectativa.
La calidad del texto dramático y sus  constantes referentes literarios son de fino humor y juegan con el  tiempo  histórico de los personajes, sin perder la noción del presente. La acción dramática logra un hilo sutil del lenguaje, que nunca deja de sorprender. Los personajes  construyen imágenes vivas en su línea de pensamiento, sin dejar  la complejidad del discurso, sin perder lo cotidiano del dialogo.
Los referentes literarios, la propuesta sonora y atmosférica explicada desde el inicio, compone rítmicamente un juego interesante de dramaturgia.  Sencilla pero compleja en significados y aportes de sentido.

# 44 olor a café 
El texto propone un unipersonal, pero la calidad de la narración en la propuestas juega más allá del monologo. Contexto del país y su violencia son descritos y narrados  de una manera ágil, sólida  y coherente
Los textos  superponen varias narraciones y van dibujando en el lector/ espectador una historia de tiempos y lugares, así como los personajes que rodean a la protagonista. La línea de pensamiento pasa del retorno, al recuerdo y va hilando la memoria de una región del país muy simbólica como es el eje cafetero.  Sutilmente va develando la situación dramática  convulsa y cruda. Propone imágenes dentro del texto que completan el universo : drogas, violencia, abuso.
Es importante de rescatar la  forma de narrar, el cómo las imágenes simbólicas  recurren  a construir un voz de  la víctima.    El Texto dramático construyendo interrumpidamente el tiempo del lector hasta  llegar a completar los acontecimientos que  la protagonista ha vivido para estar hoy en ese presente.

#74 técnica mixta 
La propuesta de dos hombres hijos de líderes del pasado histórico se encuentran en un país europeo en un museo  de arte moderno.  Se develan la historia íntima de la muerte de sus padres. Interrumpidos sonoramente y sensorialmente por una instalación  sobre la guerra de Sarajevo de un artista plástico. La obra logra  una buena condenación entre el contexto y las situaciones argumentales propuestas, el  hilo de la trama y la calidad de los  diálogos  escogidos va develando  poco a poco la historia de los personajes haciendo  coherente  su trama interna.
El  origen político y familiar  de los diálogos componen las situaciones relevantes entre los personajes sin llegar hacer anecdóticos, lo que es importante para el desarrollo de la trama. La línea de los personajes y sus emociones  se van complejizando hasta llegar al final. La situación de la crisis del conflicto al no poder  salir de ese espacio hasta  llegar a la verdad  es  una herramienta dramática importante para la  acción dramática  así como la última develación en el epilogo de la verdadera razón dela disputa de los padres y su posible parentesco.
El espacio donde se desarrolla la acción dramática "la instalación"   completa los significados y profundiza los recuerdos creado atmosferas importantes para el contexto  del país.
# 87 trans pasos
Obra sobre la migración y el retorno al país de origen de Marcos. Lugares fronterizos: aeropuerto, fronteras. Fragmentos de las escenas subdividías  como rompecabezas,  buen final cierre la trama argumental
La estructura es segmentada así como todas sus escenas. Que se intercalan, dando una información incompleta al  lector intencionalmente, para finalmente unir todas las piezas en la escena final. Personajes  Ana y Solano  son víctimas de Marcos . La acción dramática también se suspende entre cada segmento de escena.  Algunas son  situacionales para aclarar la biografía de los personajes. Condensación de la información  que devela varios temas  relevantes como: migración, frontera, ilegalidad, dirigencia política, enfermedad  terminal.
La estructura  que se intercala  logra giros de interés para conocer más antecedentes del argumento. Información condensada con fines dramatúrgicos.  La citación del Tiempo real que se muestra durante  todo  el texto  compone una la línea de lenguaje narrativo que completa el argumento. Siendo otra prueba de lo interesante de esta propuesta.

# 88 reloj 77 
La propuesta  propone una visión subjetivista para al espectador desde la visión  y escucha de ella: la protagonista.  Acciones que se repiten, imágenes que se narran  en un tiempo particular, un álbum fotografías contextualizan pasado, el territorio habitado; Casas, parejas, niños.   Un cuerpo metálico de Hortensio  se va develando y se pliega a ella. Poco a poco.  La propuesta es sólida en su universo.  Propone un lenguaje diferente que da coherencia al yuxtaponer  textos referenciales, Valéry sobre  la relación del dolor y  la música. Con las acciones propuestas de las acotaciones.
Estructura  paralela de  acciones  con Sonidos que crean atmosferas vitales. Bach. Tornamesas, teléfono, avión, Lectura texto.  Imágenes que se repiten  definiendo color y espacios  citadinos de un adentro y afuera. Hay otra mujer  que acompaña, fragmentos del cuerpo de esa otra mujer que lee: sugiera la deshumanización  y metalización del cuerpo. Ambiente de post catástrofe. Hortensio  personaje  ausente toma presencia con sus partes  metálicas. Espectador completa historias. Repetición imágenes que construyen espacios íntimos.
Poética de las imágenes acotadas, texto con acción dramática  viva. Impulso lumínicos que completan sentido. Estructura  innovadora con múltiples significados  para un presente caótico.

# 56 el torbellino comunero

Es la otra historia de la rebeldía de los comuneros, tomado  el estilo de comedia del arte, un narrador contextualiza  la historia al presente con   Buen humor y tono didáctico. No pierde coherencia ni solidez con el juego de estilos.
La estructura  juega entre dos lenguajes  populares, aparentemente lejanos (la farsa y la obra popular colombiana)  Por medio del matachín  que con  humor boyacense lleva al público siempre hacia el presente. Personajes históricos caricaturizados, como las obras didácticas brechtianas.   La trama refleja el pensamiento colonial que aún nos persigue. Siempre recordando  no olvidar por medio de estribillos que dan coherencia a la obra.
El uso del estilo  de los personajes de la comedia del arte con el contexto colombiano. Música y coplas. Arriesga la acción dramática y el argumento con el uso de documentos históricos. Capitulaciones, decreto. Etc.

#73 la ciudad de la furia
Dos cantantes de hip hop en una gran ciudad.  En 17 momentos se narra la ciudad a ritmo de beat y sus múltiples acontecimientos. Su  coherencia interna se fracciona al final  cuando no se cierra muy bien la trama.  La elocución del presidente  me interroga  pues no corresponde a la ciudad que venían describiendo.
El texto juego con varios lenguajes interesantes, intercala canto rap  e imágenes de la poética de la ciudad. Acotaciones logran atmosferas de espacios  urbanos que son aprovechados  por los personajes y sus diálogos.  El argumento  reflexiona sobre los barrios periféricos y  la discriminación.  Ambos lados del conflicto son abordados con peripecia: policía, estudiante, cantantes, media televisión. Instituciones. 
El tema de la ciudad  partir de las clases sociales y sus espacios urbanos por momentos narrativos  es  valioso  para indagar desde las líneas de los personajes propuestos.
# obediencia debida    la obra indaga en intertextual situacionales, mostrando facetas del mundo contemporáneo, en un ambiente rural a través de dos líneas paralelas de diálogo, la narración de un pasado, y el conflicto de estar adentro o afuera. Tema la identidad de un territorio con un final poco esperanzador
la estructura es interesante por manejo del tiempo, el conflicto de sus protagonistas guardián y campesino y otros personajes conducen  inter escenas relevantes para la trama  como la bruja, maldición pueblo, ritual , medico, el tío. Los  entre cuadros son tejidos con precisión y mantiene la tensión de la acción dramática. La línea de los discursos de los personajes mantiene el conflicto de las situaciones planteadas. Sin embargo, al final no se cierra la situación del pasado. Ni todos tienen el mismo nivel de desarrollo en el discurso.
la innovación seria en el uso del argumento del cuento Ante la ley de Franz Kafka inmersos en la realidad colombiana, la elaboración del tejido entre las dos historias: (guardián - tio). El mundo rural frente a la autoridad es interesante pero no culmina en transformación dramática.

#12 un  ocaso frente al rio 
Divida en capítulos transcurre la obra en la selva frente a un rio. Situaciones de espera y diálogos de soldados y capitanes. Los códigos de escritura varían entre texto y acotación. La voz de los personajes  busca  similitud entre ellos,  podría ser el mismo soldado o el mismo capitán.
Cierta poética del texto contiene buenas descripciones atmosféricas entre capítulos, personaje ausente que los observa  crea tensión dramática interesante. La acción de la espera y el estado de muerte develada al final genera un  seguimiento del texto importante como hecho dramático.
Cuenta con algunos aspectos novedosos en la narración, los monólogos interiores, la voz del victimario/victima aportan a la narración y al tema de la guerra. El final es sorpresivo  y abre los significantes del contexto nacional a un territorio más íntimo.

# 28 el puto misterio de una cuarto de hora antes

El texto propone un cambio en el tiempo de la situación y de los personajes como base de la estructura interna de la obra. Entre las ruinas, después de un desastre se devela un misterio que no se resuelve en los cuatro actos. Tres personajes mayores en decadencia discursen obre el destino trágico, la sobrevivencia, la premonición, el fin del mundo  y el ser elegidos.  Para poder  caminan de espaldas  a un tiempo  futuro, manejo del tiempo ancestral.
La estructura en espiral sin embargo regresan a un futuro  ya previsto,  va de atrás hacia delante en el tiempo, pensamiento Aymara. El misterio que no se devela jamás  construye un interés en lo que  pudo haber ocurrido. El uso de los elementos expresivos  es útil  para hilar los actos con el sentido del universo propuesto. ej: la música, los truenos, los elementos en la caja de la bruja, entre otros.
El riesgo de la propuesta es  buscar las acciones dramáticas  en la nada,  en el no lugar.  Así como el manejo del tiempo en el desarrollo del conflicto. Tiempo inicial dia 24 , tres días antes de que se acabe el mundo,  tiempo final  personajes más viejos - futuro. Designio del destino.




jueves, 18 de mayo de 2017


El  SI de Fanny Baena  y Fabio Velasco

POR LILIANA ALZATE CUERVO
Crítica e investigadora teatral


Hasta la segunda mitad del siglo pasado se daba por supuesto que la ocupación del artista consistía en deleitar e instruir a su público. Había, naturalmente, diferentes públicos. El artista podía incitar a su público a apreciar cosas más bellas de las que había querido al principio. Ahora bien, sólo podía hacer una cosa así si resultaba entretenido desde el comienzo —aun cuando no se limitara a entretener-, ofreciendo una obra básicamente inteligible -aunque no se entendiera completamente-.  Las cosas han cambiado en esta época , sin embargo estos parámetros bien encajan en la reciente obra del grupo  ingeniería teatral IT conformado por Fabio Velasco y Fanny Baena, reconocidos actores del medio teatral por su vasta experiencia en uno de los grupos de Teatro de más tradición teatral  en Latinoamérica, el teatro La Candelaria .
La obra  es: “Una mariposa se posó en tu hombro el día en que dijiste sí",  trabajo que estuvo bajo la tutoría del  dramaturgo y director Arístides Vargas del grupo Malayerba de Ecuador y se encuentra en repertorio en  las salas capitalinas y  pronto viajara a una gira internacional a Ecuador.

El: Si me cortas la cabeza ya no podre pensarte…
Ella: Si me cortas los brazos ya no podre abrazarte

Estos textos son, o algo parecido,  lo que se dicen los dos protagonistas mientras simulan jugar un juego virtual. Los personajes cambian su gestualidad y  la poética de la palabra utilizada contrasta con la violencia de los videos (juegos virtuales) que son proyectados simultáneamente. Así como en este cuadro, los creadores hacen uso de varios lenguajes expresivos que dan cuenta de su indagación en el proceso creativo para la escena; la música compuesta para la obra, el video que imita el cine mudo, actuado por los mismos actores que se encuentran en escena; la proyección de imágenes y una escenografía modular de “medio cajón , la cual va girando y construyendo varios espacios de la pareja: una cama, un baño, una sala de juegos, una cocina, un salón de baile.  A todo esto se le suma un texto  altamente poético escrito por Arístides Vargas. Que es proyectado eventualmente sobre la escenografía completando la imagen, develando lo que quiere ser dicho o lo que se quiere subrayar.
En una primera lectura podríamos decir que la obra nos habla de las dificultades en la vida,  cuando de poder realizar nuestro sueño se trata. Inicialmente  uno podría decir que se trata del amor de la pareja pero, tejiendo más delgado la obra nos habla de la comunicación entre los seres humanos. Nos pregunta simbólicamente  que  creemos  al amar o  como vemos a los  otros con los que convimos a diario, tal vez nos pregunta sobre el poder; que tantas  veces  nos absorbe a nosotros mismos y como al final es el amor el que rigüe a todo el universo,  mejor dicho la posibilidad de decir SI  a todas las opciones que nos brinda la vida,   tanto oscuras como luminosas.

Firmes en ese argumento podemos acercarnos a múltiples matices de sentido: políticas, sociológicas y hasta antropológicas del ser humano frente a su realidad actual.
Veamos; ¿es posible crear un territorio de encuentro cuando se han perdido los fundamentos y las razones de estar juntos? .Dice un texto de la obra. Yo le devolvería esa pregunta al proceso de nuestro país como un ejemplo de contexto.  Tenemos la  opción que perdió Colombia de decir SI,  en el plebiscito por la paz del 2016  y ahora conforma todo un imaginario colectivo.  Esta realidad nos advirtió sobre la polaridad  aplastante de nuestro país y las mil interpretaciones que  puede disparar un SI. Ahora bien, en un título de una obra en estos momentos  es inevitable no amplia gratamente sus significados y su sentido.  Claro si se transpola metafóricamente  el conflicto de pareja  al  post conflicto del país.  Pero, esto es hilar muy delgado y tal vez sería un trabajo de toda una nueva interpretación del acontecimiento escénico. Seria en parte un cambio  como el  del SI  y muy seguramente, en ese momento se posaría la mariposa en nuestro hombro.
Por ese potencial  de la obra y del momento en que se encuentra el grupo IT  después de sus anteriores trabajos: El otro animal 2015 y El enano  2014 ambas becas de creación para directores jóvenes,  hoy quiero mejor ahondar en la valentía  y el riesgo  del proceso escénico que asume (Fanny y Fabio) con el director del Malayerba Ecuador.  Al asumir decir SI  a una nueva indagación.

Teatralmente, esta obra tiene dos importantes retos; una alcanzar la elevación de espíritu y expresión que usa la palabra, y otra conseguir el efecto dramático sin perder la sensación de verdad. Por tal razón, se podría asumir que la obra indaga en una teatralidad expandida y por eso se hace pertinente la lúdica y movilización semántica de la dramaturgia.
Siguiendo esta línea de sentido La propuesta del escenario de “medio cajón” tenderían precisamente a proporcionar esta sensación ilusoria de estar contemplando algo que sucede realmente en un adentro, en diferentes espacios cotidianos: una cama, una cocina, el baño. Razón por la cual todo lo que sucede fuera de él,  corre el riesgo de ser parte del afuera y exigiría fidelidad a la verdad escénica. El uso de la utilería, vestuarios y escenografía, demandarían total rigurosidad y verosimilitud. Ya que las herramientas expresivas  escogidas como el video, lo virtual y la música son puestas en juego,  supongo yo, para representar sobre el escenario algo que convenza al público de que la acción que desarrollan está en la vida.  

Como vemos este acontecimiento escénico tiene marcado los rieles expresivos  para llevarnos lejos en significados, siempre y cuando se enfoque en  la precisión en su máxima expresión. La multiplicidad de sentido en la combinación de contrarios entre imagen virtual y escena real nos sacaría de la anécdota del discurso amoroso y prestaríamos gratamente nuestro hombro para que se pose la mariposa.

El reconocimiento de que este es un proceso de creación transversal donde los discursos se hibridan, dando paso a la elaboración de un enunciado rizomático, exigue entonces la elaboración  de múltiples sentidos, donde la razón no es ausencia ni ahogo es por el contrario otra teatralidad.

A su vez no podemos dejar de detenernos en la propuesta actoral la cual también asume un reto grande, me arriesgaría a decir que se quiere encontrar cierto tipo de comicidad particular, lo cual es captado en el vídeo que es proyectado en varias ocasiones durante la función. En el cual sobresale el maquillaje exagerado y los lugares bucólicos de los protagonistas;  Así mismo  se observa en  la escogencia de algunos vestuarios  y elementos en las diferentes situaciones comicas que van ocurriendo en la escena. ejemplo: La cocinada, el  uso del baño, el baile.

El reto asumido por ingeniería teatral se compone entonces de todo estos elementos  a los que el grupo asume indagar, los cuales son muy interesantes en sí; el tema del amor como confrontación de poderes, el cambio  generacional, el vínculo dramático  entre texto poético  y la imagen teatral. Lo virtual y lo real, lo dicho y lo no dicho.  En fin la búsqueda de una otra teatralidad de otro cuerpo en la escena. Por ello  a mí me surgen algunas dudas  finales  tal vez más sutiles y en pro de su búsqueda:

En este contexto son de central importancia el trabajo de la "performatividad", "la recurrencia productiva del cuerpo con la palabra y la resultante autor- actor-escenificación como "copia sin original", donde el cuerpo no es esbozado a priori, sino en el transcurso de un proceso.

El cuerpo como materialidad y portador de saber que se inscribe o produce en éste una permanente y cambiante construcción que se va edificando por medio de la repetición, apropiación y/o rechazo sin terminar nunca de construirse .

Finalmente la ultima reflexion ¿Cómo entiende IT ingeniería teatral  a el escritor de la palabra dramática de el dramaturgo de la escena?  Sobretodo teniendo en cuenta la formación de estos dos creadores, en una tradición en donde estos roles siempre ha estado unidos o asumidos colectivamente.  Será que debemos poner más cuidado en preservar nuestros hábitos intelectuales libres del contagio de quienes nos han educado o  será mejor  solo decir SI, a todo en el proceso creativo  y esperar hasta que se pose la mariposa….